Comparación de la forma

El punto

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Dibujo construido con puntos  construido con una pluma de tinta china.

theartwolf.com

El punto es el primer encuentro del instrumento con la superficie del plano en el que se dibuja. El plano del papel y el punto son los elementos necesarios básicos para crear una composición. Un único punto puede generar distintas sensaciones de acuerdo con la posición relativa en el plano, asimismo el tamaño y la forma también genera distintas tensiones espaciales para la consideración de la obra de arte.

Según las agrupaciones de puntos, las alineaciones y otras formas de representación generan en el dibujo una agilidad distinta en la expresión gráfica. A veces., debido a su grosor se transforma en círculos de distintos tamaños e intensidades, esta relación entre la forma y la intensidad genera como resultado un mayor dinamismo en la composición, otras veces la ordenación de los puntos queda definido porque éstos son positivos o negativos, además de otras relaciones como las correspondientes a la escala. Los trabajos de puntos combinando positivos y negativos de distintos colores pueden generar efectos altamente expresivos y decorativos.

A continuación podemos observar varios ejemplos de dibujos realizados mediante puntos:

webartistas.com

epv1diestamara.blogspot.com

taringa.net

historiayarte.net

primaria.profes.net

La recta

La recta es la distancia más corta entre dos puntos, la más elemental de las líneas, surge del movimiento de un punto en una dirección, es la forma más escueta de la infinita posibilidad de movimiento, según Kandinsky. Los tres tipos de posiciones de una recta son horizontal, vertical y oblicua.
 La horizontal expresa calma, reposo y por tanto frialdad, es la línea de lo humano y de lo perecedero. La vertical es vivaz, ascendente y presenta cierta calidez, es la línea de lo espiritual, de lo imperecedero. La oblicua participa de las características de las dos rectas anteriores en la medida en que se aproxime a una o a otra. La recta oblicua es inestable pero si se acompaña de alguna de las otras ofrece una idea de refuerzo.

En la figura podemos ver una ilusión visual, un damero construido con líneas perfectamente rectas se perciben como curvas debido a los círculos próximos a los vértices de los cuadrados.

Composición a color a partir de líneas rectas.

Las líneas

En este dibujo podemos observar líneas que son verdaderos trazos, líneas muy expresivas cuyos trazos definen la anatomía de las formas.

La línea es el componente segundo del lenguaje de las imágenes, después del punto. Surge cuando se mueve un punto por lo que es un elemento dinámico. La línea horizontal aparece como un elemento de reposo, de calma, de frialdad, sintetiza lo perecedero. La línea vertical es más vivaz, alegre, de movimiento ascendente, expresa calidez. La línea oblicua es una síntesis de las dos anteriores según se aproxima a una u otra. La línea oblicua suele interpretarse como algo dinámico, inestable, en tensión.

Frente a los vigorosos trazos anteriores en este dibujo observamos unos trazos que denotan una trama más sosegada, un conjunto de líneas casi paralelas que expresan mayor delicadeza y finura en el tratamiento técnico, elementos que menoscaban el efecto del trazo expresivo.

Podemos observar que cuando dibujamos una línea de trazo uniforme u otra variable según presionamos más o menos nuestro lápiz sobre soporte genera efectos distintos en el observador. Al utilizar una línea quebrada de grosor uniforme también podemos generar efectos de tensión, otras veces podemos crear sensaciones de relieve al trazar conjuntos de líneas que definen planos y estos planos generan al mismo tiempo superficies que construyen el volumen de las formas en el dibujo.

Las curvas

En el dibujo una interpretación de un autorretrato de Van Gogh a partir de un personaje de los Simpson.

Las líneas curvas son formas sinuosas, parecen elementos en movimiento que giran y producen una vida en constante transformación en la obra que nunca deje indiferente. A veces las curvas expresan tensión, dramatismo o apasionamiento, pero siempre son indicativas de movimiento, de dinamismo.

La línea curva tiene por lo general una libertad de ondulación y una expresión de dinamismo y movilidad que no tiene la línea recta. Puede completar acciones, hacer agrupaciones variables sobre un dibujo. La línea curva es un elemento estructural que puede producir además sensaciones de relieve según la disposición de las mismas, a veces el conjunto de líneas onduladas y horizontales provoca agrupamientos que generan intensidad en las formas, creando ilusiones de fondo en las distintas concentraciones de líneas, este efecto se puede acentuar al variar el grosor de las líneas.

Las siluetas

Un dibujo o una imagen fotográfica como la de la figura puede ser altamente plásticos y expresivos definiendo únicamente la silueta o contorno de la figura más el sólido interior o exterior.

 Casi siempre los efectos de contraluz, de puestas de sol, son muy propicios para mostrar la figura en un tono totalmente oscuro, lo que es la silueta de la misma. 

Paisaje crepuscular

Ocaso del sol con silueta de bailarina

Efectos en el plano

El plano es la antítesis del volumen y se genera por una recta en movimiento en una sola dirección. Aunque el plano geométricamente no tiene límites, para nosotros en el dibujo, y en su aspecto plástico, el plano tiene unos límites o bordes que definen una forma plana. El plano adquiere así una dimensión viva, activa y constructora de múltiples significados y sensaciones. La forma plana más elemental es la que limitan dos verticales y dos horizontales, un rectángulo  puede expresar vivacidad, calor y actividad si hay predominio de la verticalidad, mientras que si predominan los bordes horizontales hay un sentido de calma, frío e inactividad.
En el cuadrado se produce un equilibrio entre esas dos sensaciones encontradas por lo que es una forma pura y neutra donde las distintas tensiones se complementan y anulan. De la misma forma el círculo, se puede considerar otra forma neutra, no obstante en su curvatura se observa cierto dinamismo que le distingue del equilibrio del cuadrado.

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En esta obra se combinan las formas planas con las sombras arrojadas para generar un
 efecto tridimensional.

Las formas planas se pueden relacionar de múltiples formas, por ejemplo si los planos son transparentes y  los conjugamos con distintos colores, en sus mezclas ópticas, consiguen hacer sobre el plano un efecto de profundidad que no tiene que ver con el volumen sino con los valores de realce o de desvanecimiento que producen los colores.
Otra posibilidad es el solapamiento de las formas o la penetración de las mismas, cuando una forma entra decimos que penetra sobre la otra, pudiendo hacerlo total o parcialmente.
A veces las formas se superponen quedando colocadas enteramente unas sobre otras y produciendo un efecto de alejamiento, todos estos elementos interrelacionados permiten establecer una cadena de valores de atención en el que contempla las obras. Si al mismo tiempo lo conjugamos con efectos de luces y sombras o de tonos y matizaciones de tonos podemos decir que manejamos el plano en muy diversos y enriquecidos aspectos expresivos, alcanzando cotas de comunicación increíbles.



El plano, que en principio es un elemento geométrico, cuando se incorpora al mundo de las formas artísticas cambie su función y se convierte en un elemento activo constructor de una imagen plástica. El plano, junto con el punto y la línea, es una forma que permite ordenar una superficie plana, componiendo estructuras con distintas posibilidades de agrupación, generando un arte bidimensional en la ordenación de la superficie.

 Estructura de formas planas combinadas con formas volumétricas desde un estudio del color y del solapamiento de las mismas.

La forma plana se puede considerar bajo un punto de vista geométrico o desde un punto de vista orgánico, en el caso geométrico existe una ordenación matemática que fundamenta las distintas formas planas configuradas en cuadrados, círculos, triángulos, polígonos, elementos todos de la geometría plana. En el caso del plano constituido por una mancha libre es aquel que está formado por formas orgánicas no definidas geométricamente a priori.
Las formas planas se pueden estructurar respecto al fondo y a la figura, de esta forma podemos establecer un contraste entre la figura y el fondo siendo variable o por contra homogénea. Se puede establecer también la reversibilidad entre la figura y la forma, en la que una forma geométrica y el fondo sobre el que está, invierten sus tonos en distintos puntos de la obra de arte.
Combinación en una pintura de formas geométricas y orgánicas.

El plano se puede considerar de dos formas,  a un nivel geométrico y a un nivel de mancha libre, que es lo que se puede denominar formas orgánicas no geométricas. En el primer caso se puede estructurar un plano geométrico con distintas posibilidades de ordenación, utilizando formas elementales como cuadrados, círculos, figuras y formas planas y su posibilidad de transformaciones y deformaciones. De esto tenemos un ejemplo de artistas como un Mondrian, Juan Gris, Eduardo Sanz, etc.

El plano como mancha puede configurar formas que son o no reconocibles. Si las formas no son reconocibles decimos que son abstractas. Normalmente las formas orgánicas rompen todo el contenido geométrico que pueda haber en cualquier estructura.

Podemos jugar con el plano mediante transparencias dándole realce a distintos colores y con variedad de técnicas. La mancha libre es una de estas técnicas y puede realizarse sobre papel en seco con tinta china o bien con papel húmedo por el que  se extienda la tinta por el papel generando formas orgánicas irregulares.

Otra forma de hacer efectos con las formas planas es mediante la intercalación de siluetas o superficies que queden comprendidas dentro de una forma lineal llamada contorno. La silueta es de un solo tono y por lo tanto interesa el contorno, puede ser hueca o sólida y suele tener gran aspecto decorativo debido a su simplicidad y ausencia de volumen.
Superposición de planos opacos mediante collage

Podemos jugar con los planos mediante la superposición de los mismos, mediante la transparencia o translucidez de los distintos planos o formas geométricas, con la variación del tamaño de las formas, con su solapamiento, con su incorporación a una perspectiva o a líneas que simule ser una perspectiva. La superposición de planos permite establecer alejamientos, profundidad, ilusión de generación de espacio tridimensional, sin romper el  espacio bidimensional.

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Podemos jugar también con los planos mediante teselas o formas repetitivas geométricas, siguiendo
 distintos ritmos o alternando los mismos.




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Aunque es una perspectiva con gotas de agua que refractan la luz generando un efecto cáustico y  en la que por efecto de la profundidad de campo los elementos de un segundo término aparecen desenfocados, se puede considerar no obstante como una composición plana si pensamos que los planos verdes tienen distinta definición según estén en el borde inferior o superior del dibujo o fotografía, y que las gotas de agua son círculos con manchas, es una interpretación plana de una imagen tridimensional.

Las formas transparentes y translúcidas

En la obra de arte vemos zonas que se solapan y otras zonas que se interfieren, las que se interfieren produce un efecto traslúcido mientras que los elementos que se solapan genera un efecto opaco. Estos elementos geométricos se llaman siluetas, son formas encerradas dentro de una línea de contorno. La silueta es maciza cuando tiene un solo color y su interés se suele centrar en la característica externa. Suele ser una forma decorativa y sencilla, simple y carente de volumen pero con gran expresividad plástica cuando se combina con efectos de translucidez o transparencia, así como con efectos de interacción entre distintos colores.

Xavier Riomao consigue en esta obra los efectos de transparencia al tratar los tonos de los elementos que se superponen construidos a partir de los tonos inferiores, de esta manera genera texturas semi transparentes.

Por efectos de elementos transparentes o translúcidos se genera y se pone de manifiesto en esta obra la importancia del color, de la reflexión en las superficies de los cristales, de la refracción en las imágenes solapadas, de efectos cáusticos en las sombras proyectadas, en en un conjunto de elementos que resultan muy plásticos como se puede ver en la técnica de superposición de cristales de las botellas, el interés por la deformación de las imágenes que aparecen detrás del cristal, la superposición entre los distintos elementos que genera distintos espacios con sus distintas deformaciones es una forma de construir el interés en esta obra de arte.

Pintura de Sorolla

Transparencias verdes con reflejos azules

Hoffbauer

Las formas y su configuración

El plano o la mancha genera distintas formas que tienen cierta configuración, cuando esta configuración es reconocible, decimos que la obra artística es figurativa, ya que representa figuras, mientras que en el caso de que no sea reconocible, decimos que la configuración de las formas es abstracta. Cuando la mancha libre que constituyen las formas organiza la superficie rompiendo las normas estrictas geométricas decimos que la mancha es libre.

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Configuración figurativa de manchas libres, de fondo irregular y tramas ordenadas para las flores.

Cuando se trata de representar las formas en distintas configuraciones el artista sigue distintos procedimientos, a veces superpone planos, otras veces varía el tamaño de las formas en el plano, en algún momento rompe el efecto bidimensional haciendo uso de la perspectiva.
Al superponer planos se puede establecer una escala de alejamientos y de profundidad, de esta manera creamos ilusión de espacio tridimensional sin romper el efecto tridimensional del plano, éste es el resultado de superponer dos formas planas.
Otras veces se superponen elementos agrupados mediante transparencias, los elementos se ocultan en algún momento mientras que a veces se dejan ver por un elemento debajo de otro.

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Profundidad central por degradación tonal hacia el centro.

Una forma de crear ilusión de espacio dentro del plano que utilizaban los artistas medievales es considerar el margen inferior del cuadro más cerca del espectador, de esta forma le damos mayor importancia a las formas que se encuentran en un primer plano y cerca del borde inferior del formato del papel o del cuadro. Los alejamientos se estructuraban en la composición por franjas horizontales y en relación a la distancia del margen inferior.

La ilusión del espacio

En la pintura de Goya observamos cómo se genera espacio al colocar personas en distintos planos, también se genera efecto tridimensional al darle obscuridad, colores neutros y borrosidad a los fondos.

Como pudimos ver en la composición mediante formas planas líneas, puntos, etc., teníamos que todos estos elementos creaban ilusiones de profundidad en una superficie del papel, construyendo una composición mediante planos o formas superpuestas, solapadas o de otras formas.

 Efecto espacial de profundidad mediante contraste y pérdida de contornos

 Hay muchas formas de conseguir la tridimensionalidad en un dibujo, desde variando el tamaño de las formas, hasta simular el efecto de la perspectiva de las líneas concurrentes en puntos de fuga, como pasa en los raíles de la vía del tren. Todos estos detalles sugieren una distancia entre los objetos y la posición del espectador. Una forma de crear espacios dentro del plano utilizada por los artistas medievales era considerar el margen inferior del cuadro más cerca del espectador dándole mayor importancia a ese primer plano y mostrando las figuras más grandes que las que se alejan hacia el horizonte. En estas composiciones los alejamientos se  ordenaban en la composición con franjas horizontales y en relación a la distancia del margen inferior del cuadro.

 Los prismas sombreados por ciertas zonas generan un efecto volumétrico. Si no tuvieran esas sombras se podrían considerar como cuadriláteros planos. Hay una contradicción manifiesta en la dirección de la luz que genera sombras según distintas direcciones, por lo que la figura resulta difícil de entender, no obstante se percibe el espacio curvo del centro construido mediante prismas, aquí radica el interés principal de la obra.

La mancha

Apunte de Miguel Angel para la Capilla Xistina del Vaticano mediante la técnica de tinta por medio de trazos. Los trazos de tinta se agrupan formando una mancha allí donde hay más sombra en la figura.

En los trabajos de mancha, sólo existen dos tonos en el papel, el que corresponde a éste y otro obscuro que suele ser negro. No existen medias tintas o escalas de grises, ya que estos semitonos se obtienen mediante trazos más o menos juntos.

Conjunto de manchas a tinta que generan las sombras en el dibujo.

Dibujo de mancha de alto contraste, ya que no ofrece apenas medios tonos

Manchas de color a espátula con óleo

Las texturas

La textura es el aspecto exterior que produce una obra tanto a nivel táctil como visual. Cuando repetimos una forma  sobre un cuadro estamos creando un signo repetitivo que involucra al espectador, es una textura visual. Si al mismo tiempo tiene relieve y se puede percibir con el tacto tenemos una textura táctil.

Artistas como Tapies lo han utilizado como medio de comunicación, genera superficies con texturas de distintos materiales para dar mayor significación a la obra.

Los valores expresivos de una obra de arte se potencian con un recurso como son las texturas, éstas son la especial calidad del acabado de las superficies. La textura expresa un atractivo visual expresivo y promueve que el espectador tenga deseo de tocar la obra, es por lo que tiene un valor táctil al igual que la escultura.

Tenemos las texturas clásicas de pasar un lápiz blando sobre un papel arrugado o bien sobre un papel que se apoya en un elemento rugoso como puede ser una moneda. Otras veces se mancha  el papel con un color y luego se raspa, conservando parte de la textura del mismo. En otras ocasiones cogemos elementos manchados y los presionamos en distintas zonas del papel de forma repetida para obtener distintas texturas. Las posibilidades son innumerables.

Se pueden obtener efectos de texturas con barnizados como por ejemplo el barniz copal u otro igualmente espeso sobre  obras hechas con témperas. El temple también se vuelve brillante con el barniz pareciendo un esmalte, asimismo el papel se vuelve translúcido y se torna con una apariencia casi mineral.
Otro efecto de texturas es la que se utiliza en el monotipo, que no es otra cosa que pintar sobre una superficie poco absorbente y estampar un papel sobre la mismo antes de que se seque la pintura, la imagen impresa es el monotipo que recoge la textura de la superficie.
Otro recurso muy utilizado para la ejecución de las texturas es el uso de las plantillas que pueden servir para repetir un mismo tema o para definir formas, por ejemplo al salpicar dentro de los huecos de las mismas.
En el arte moderno desde el dadaísmo pasando por el arte abstracto, la textura ha sido la gran protagonista, utilizada para generar  todo tipo de materiales y posibilidades para enriquecer los poderes expresivos de la obra de arte.

Óleo con esgrafiado o rascado sobre el lienzo. Obra de Mª Paz Gulias Nantes.

La textura es el aspecto exterior que nos produce una obra, tanto si es táctil como visual, la superficie de cualquier materia.
Podemos obtener distintas texturas por ejemplo pasando un lápiz de forma suave sobre un papel arrugado, podemos conseguir texturas marchando un papel con distintos pigmentos y raspando posteriormente el pigmento mientras se conserva húmedo.
Podemos coger un elemento y mojarlo en pintura y a continuación presionarlo sobre un papel de formas distintas, generando así una textura irregular. Podemos crear una textura al pasar un lápiz blando sobre un soporte como el papel situado encima de una superficie rugosa.

Estudio de diferentes texturas de Xavier Riomao

Las texturas en la pintura deben considerarse primeramente desde los ángulos de 
A) La forma: texturas dibujadas, es decir mediante línea pura y adicionando claroscuro.
B) El color: Pintadas, ya sea a punta seca (lápices de colores, ceras, gises pastel, etc.) o a través de medios húmedos. (acuarelas, acrílico, óleo, tintas, etc.)
C) Texturas físicas: polvos, gránulos, fibras, pastas, etc. 
El artista al expresar figura o abstractismo con texturas, debe tener siempre en cuenta que estas son el resultado del estado químico de la materia: Sólido, líquido o gaseoso y a partir de esto enriquecer su técnica para crear o innovar conforme a su estilo. Antonio Alvarez A.

Experiencias de texturas

Las simetrías

Una figura tiene una simetría axial cuando el eje la divide en dos partes iguales invertidas, es una igualdad  opuesta. Cuando ejes verticales y horizontales o con cualquier ángulo se conjugan con otros intermedios se generan simetrías radiales.

 

Tal y como aparece en el fondo del dibujo del conejo, si lo doblamos por un eje central, podemos observar que coinciden las manchas, esta es una simetría de tipo axial donde la doblez es el eje de simetría. La simetría es un tipo de armonía, una disposición ordenada de elementos respecto a un eje de manera que las formas aparecen invertidas. Si hay varias simetrías de ejes paralelos, como suele suceder en numerosos motivos ornamentales, se genera una repetición en los elementos, esta repetición de distintos elementos crea un ritmo de alternancia.

saed.leganes.educa.madrid.org 

Tenemos otro tipo de simetría radial en la que los elementos se disponen en torno a un punto guardando su equidistancia. Es una simetría de tipo rotacional que se observa con frecuencia en la naturaleza y en el arte, por ejemplo en los rosetones de las catedrales, en los pétalos de las flores, en los brazos de una estrella de mar, etc.

 

Formas simétricas radiales 

Modelo atómico de los cuasicristales

«En los cuasicritales encontramos los fascinantes mosaicos del mundo árabe reproducidos a nivel atómico, formas regulares que nunca se repiten a sí mismas», ha afirmado la Academia. http://www.abc.es/20111005/ciencia/abci-daniel-shechtman-gana-nobel-201110051152.html

Simetría espacial en el reflejo sobre el agua:

By mariantoni at 2010-01-16.

http://www.golfoforo.com/el-control-del-agua-segn-joseph-zbukvic-tema2584.html

Página para aprender a dibujar reflejos:

http://calculo-de-reflejos.blogspot.com.es/ 

http://giros-traslaciones-simetrias.blogspot.com.es/

La bella geometría de la naturaleza Cuando somos estudiantes, muchas veces detestamos la matemática enseñada en la escuela, pues no encontramos conexión entre ella y la fida real. No nos damos cuenta que el mundo natural utiliza la matemática en todo, y las formas de estas plantas y animales son prueba de eso. Dicen que el lenguaje de Dios es la matemática, y tal vez sea verdad. ¡Mira toda esta belleza!. Dalia fonte Hoya Aldrichii fonte Aloe Polyphylla fonte Brócoli Romanesco fonte Planta do Templo de Buda de Crassula fonte Folha da vitória-régia fonte Um tapete de joyas fonte A geometria do repolho roxo fonte Girassol fonte Drosophyllum Lusitanicum fonte Suculenta em espiral fonte O cactus pensante fonte Camélia fonte Viola Sacculus fonte Cauda de Camaleão fonte Escada de folhas fonte Hoya Pubicalyx fonte Begônia em Espiral fonte Hoya kerrii fonte Flor de Maracujá (Passiflora Caerulea) fonte Pata de lagartixa fonte Simetria perfeita

El estarcido

El estarcido es repetir una forma mediante el uso de una plantilla, para construirlo podemos recortar una cartulina y sobre el hueco que hemos recortado salpicamos  pintura sobre el papel.

Cuando cogemos la cartulina y recortamos un trozo, pongamos por caso una figura geométrica, tenemos dos figuras, una la que corresponde a la silueta que nos da el trozo recortado y otra la que corresponde al hueco. Podemos utilizar estas dos plantillas para proyectar pintura sobre el papel. El vacío o hueco que deja la forma geométrica hace que la figura quede proyectada en positivo mientras que la figura recortada es la que va a generar la silueta sobre el papel.

El estarcido es además una técnica para hacer formas repetitivas utilizando una plantilla. Sobre una cartulina podemos dibujar una forma y luego recortarla, de esta manera tenemos dos figuras, una correspondiente a la silueta y otra al hueco. Podemos salpicar pintura sobre el hueco o bien sobre la silueta haciendo formas en positivo y negativo.

Los ritmos

El ser humano nace con inclinaciones estéticas y sensibilidad respecto al sentimiento de lo bello, de la medida, de la regularidad y del orden. La naturaleza ofrece espacios, formas, colores, elementos todos que generan instintos de creación artística y que él se encarga de ordenar para generar formas artísticas con ritmos, ello lo consigue de una forma plástica relacionando la forma y el espacio según un orden determinado, de esta forma reconocemos el ritmo en las obras de arte, haciéndolo perceptible a nuestros sentidos.

En la figura podemos ver un conjunto de líneas curvas que se deforman generando un efecto volumétrico. Las líneas siguen una disposición rítmica ordenada con forma de sinusoide.

La naturaleza ofrece espacios formas, colores, elementos que generan creaciones artísticas, pero es el ser humano el que se encarga de ordenar la continuidad y uniformidad de todos estos elementos estableciendo así ritmos. 

La forma de generar un movimiento rítmico es ordenar gráficamente su representación de una forma reiterativa, por ejemplo conservando el mismo espacio entre cada una de las formas.

Tipos de ritmos

Decimos que el ritmo es por alternación cuando la serie de distintos elementos que se repiten se alternan bajo cierto orden.

Decimos que el ritmo es por simetría cuando la serie de figuras ordenadas se pueden dividir mediante ejes en dos partes exactamente iguales y opuestas.

Decimos que el ritmo es por radiación cuando se crea a partir de un punto central, orientando todos los elementos desde un sentido circular, lo que se denomina matriz polar.

Podemos ordenar libremente los elementos y tendremos unLa ordenación rítmica libre.

Los giros y las simetrías

El ritmo genera distintos equilibrios que tienen su origen en simetrías, éstas pueden ser centrales o axiales.

La sensación visual que produce un movimiento se logra con el uso y la intención de la forma que nos rodea. El ritmo se crea con el movimiento y distribución de distintos elementos sobre un plano. Por tanto todas las transformaciones geométricas correspondientes a los movimientos generan ritmos, y entre ellas tenemos los giros, las traslaciones, las simetrías.

http://giros-traslaciones-simetrias.blogspot.com.es/

Una figura posee una simetría axial cuando el eje la divide en dos partes iguales pero invertidas, es por tanto una igualdad opuesta. Cuando existen varios ejes concurrentes en un punto de manera que las formas se distribuyen en torno al centro de intersección de los ejes obtenemos una simetría central.

La perspectiva

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La perspectiva tiene como objeto representar el relieve y profundidad de las formas sobre un papel o un cuadro, tal y como los ve el ojo.

 Si tenemos un plano imaginario como una ventana y los elementos exteriores y los proyectamos sobre la ventana desde un punto de vista exterior a la misma, obtendremos la perspectiva de los elementos proyectados sobre la ventana.

La perspectiva cónica es la intersección de los rayos visuales o líneas que unen el punto de vista con los elementos, con el plano del cuadro, del papel o de la ventana sobre la que se va a trazar la perspectiva.

El hombre empezó a utilizarla en el siglo XV como una forma de calcar la realidad tridimensional y proyectarla sobre un plano bidimensional, con ella se empezarían a establecer los primeros principios de la perspectiva tales como que los elementos más lejanos aparecen más pequeños.

El ojo humano observa los objetos de modo distinto a su realidad, bajo ciertas deformaciones. Un ejemplo lo tenemos en la convergencia de las vías del tren que se perciben concurrentes a sabiendas de que son paralelas.

Tenemos por tanto en la perspectiva ciertas deformaciones, las que corresponden al tamaño y otras que son relativas a la configuración. Por ejemplo una figura que aparece más pequeña cuanto más lejos esté es una deformación por tamaño mientras que las líneas paralelas como los raíles del tren que aparecen concurrentes es una deformación de la configuración de esas líneas. Ambas deformaciones están íntimamente relacionadas.

Para poder conseguir una perspectiva de lo que nuestro ojo ve con gran aproximación podemos situarnos frente a un cristal y calcar todos los elementos que aparecen detrás de él con un rotulador. No es exactamente lo mismo ya que estamos proyectando todo lo que vemos sobre un plano recto y todo lo que se aleja de un cono de visión de unos 60° se empieza a deformar cuanto más se aleje, esto quiere decir que la perspectiva de los elementos laterales se distorsionan en mayor medida. Otra contradicción que observamos en nuestra perspectiva sobre el cristal es que los objetos más laterales y de revolución como una esfera aparecen deformados con contornos elípticos y más anchos que los que están frontalmente respecto a nuestra posición. Esto contradice a los principios básicos de la perspectiva en los que los elementos más alejados deberían aparecer más pequeños. En principio sobre el cristal las líneas verticales  aparecen también verticales en la perspectiva, las horizontales paralelas al cristal lo siguen siendo mientras que las horizontales oblicuas son todas concurrentes siempre en un punto del horizonte. Las líneas oblicuas no horizontales también concurren por ser las paralelas en un mismo punto pero fuera de la línea del horizonte. A la altura del punto de vista pasa la línea del horizonte que sería la proyección sobre el plano del cristal con el cuadro del límite de plano del suelo, considerándolo como infinito, debido a la esfericidad de la tierra el horizonte real estaría más abajo y sería una línea curva, tal y como observamos en el mar.

En las páginas siguientes se muestra distintos métodos para construir perspectivas paralelas (aquellas en las que la representación de los objetos mantienen las rectas paralelas) y cónicas (aquellas perspectivas en las que las rectas paralelas se cortan en un punto de fuga):

http://perspectiva-caballera.blogspot.com/

http://perspectiva-axonometrica.blogspot.com/

http://homologias.blogspot.com/

http://proyeccion-gnomonica.blogspot.com/

http://proyeccion-central-conica.blogspot.com/

http://proyeccion-central-dinamica.blogspot.com.es/

http://la-perspectiva-conica.blogspot.com/

http://perspectiva-conica-dinamica.blogspot.com.es/

http://la-restitucion-en-perspectiva.blogspot.com/

http://sombras-en-perspectiva-conica.blogspot.com/

http://perspectiva-de-cuadro-inclinado.blogspot.com/

http://perspectiva-curvilinea.blogspot.com.es/

Página sobre efectos de perspectiva:

http://www.cuantarazon.com/busqueda/0/perspectiva/p/1



Efectos de perspectiva:

http://ilusiones-visuales.blogspot.com.es/2012/09/juegos-de-perspectiva.html

El diseño

 nodovisual.net 
Diseño publicitario

Diseñar es proyectar un objeto elaborado por la mano del hombre y que debe cubrir ciertas necesidades funcionales así como estéticas. Todo lo que se observa a nuestro alrededor ha sido diseñado, todos los elementos han sido concebidos bajo ciertas características formales y cualidades materiales que le confieren su forma. En el diseño puro se estudia especialmente la forma sin ocuparse de elementos como el estilo, las técnicas de producción y la utilidad. Para crear un objeto a través del diseño conviene concebir todas las facetas del objeto, desde sus aspectos sociológicos y psicológicos al proceso de producción, por esto, el diseñador es un creador colaborador con comerciantes, ingenieros y fabricantes que son todos partícipes en la elaboración del objeto para ponerlo a disposición del consumidor. Antes de construir un objeto se inicia un diseño con su correspondiente proyecto, para lo cual el diseñador tiene un conocimiento de las bases del objeto, no sólo de las técnicas de construcción y representación en el dibujo sino de la funcionalidad del objeto así como de las cualidades estéticas para su posterior utilización. Para concebir un diseño es necesario hacer uso de una gran actividad creadora y de la imaginación para que el objeto  cubra las necesidades materiales y espirituales del comprador.

 miguelsabel.eu
Boceto de diseño industrial. Powell, Dick. "Técnicas de presentación".

Tenemos fundamentalmente varios tipos de diseños, los diseños industriales son los que mejoran el aspecto funcional y visual de los objetos que se realizan en serie, el diseño gráfico se refiere a las actividades relacionadas con las estampas, los impresos, la publicidad, los carteles, los logotipos, los pictogramas, etc., mientras que el diseño de moda está en función de innovar en el campo de las vestimentas y de la funcionalidad y estética en los ropajes adecuados al cuerpo humano, por lo que el diseñador de moda debe ser un buen conocedor de la estructura del cuerpo humano y de su ergonomía.

 siamofuori.wordpress.com
Diseño gráfico


 hoymoda.com
Diseño de moda




Diseño de autos